Los álbumes que tienes que escuchar antes de morir: Hybrid Theory-Linkin Park

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Autor: Enrique Vargas.

En el fascinante mundo del negocio musical hay muchas formas de que una banda sea exitosa: que su sencillo o varios sencillos de ella sean un éxito en la radio, que alguno de sus videoclips haya dado la vuelta al mundo en MTV u otras cadenas importantes de videos musicales, ser populares en Internet a través de medios como las redes sociales, servicios, tiendas online, entre otros… o que tu primer álbum haya batido los récords de venta en su primera semana. Y parece ser que ésta última opción fue la que sorpresivamente consiguió ésta banda de California; y es que Linkin Park sorprendió a propios y extraños con un sonido y letras contundentes dentro del estilo NU metal y apenas era el comienzo de lo que vendría a ser la música moderna del siglo XXI.
 

Hybrid Theory recoge todos los elementos característicos que marcaron la década de los 90’s, bebiendo de muchas influencias como el metal, el rock alternativo, la electrónica y el hip-hop. Pero mi teoría sobre la composición del disco es que los integrantes de Linkin Park están inspirados en los riffs sencillos y potentes del neo-punk de grandes bandas como The Offspring, Green day y hasta Bad Religion junto con el fenómeno grunge de Nirvana, Smashing Pumpkins, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam y Stone Templet Pilot. El vanguardismo de la música electrónica por pioneros como The Chemical Brothers, The Prodigy, Portishead con una fusión de Depeche Mode. Los rapeos y scratches de DJ de la culturas hip-hop de exponentes como Notorious BIG, 2pac, Public Enemy, beastie boys y otros raperos de las famosas pandillas de las costas este y oeste, Brooklyn y similares. El legado del rock alternativo en su máxima expresión como A Perfect Circle, The Cranberries, Sonic youth o Radiohead. Finalizando para el resto de elementos, la esencia del heavy metal, específicamente de las entrañas del nu metal como fueron en su día Korn, Deftones y Limp Bizkit en sus comienzos y el metal alternativo o industrial como System of a Down o Rammstein y una pizca de inspiración de leyendas del metal como Antrhax, Metallica, Pantera, Slayer o Megadeth que impactaron a toda una generación en la última década del siglo XX. Sin olvidar a la influencia más directa Rage against the machine. ¿Qué tal? Si alguien tiene una mejor teoría del sonido e influencias de esta banda, tiene todo el derecho de decírmelo.

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Algunas influencias.

Pero no solo éstos sonidos definieron a la banda, también otro elemento que resaltaría serian sus letras ya que llegarían a ser adoptadas por una nueva generación que estaba floreciendo en una época que pasaría por muchos acontecimientos mayormente no muy positivos y es que el disco en si es un reflejo de las experiencias que atravesó su vocalista, Chester Bennington en su adolescencia como fue el divorcio de sus padres, la rebeldía o el consumo de alcohol y drogas; es que lo que le habría sucedido a Bennington se reflejaría en toda una época en la cual los jóvenes ya no querían más héroes, sino buscaban rebeldía tras algo que valga, el esfuerzo, la búsqueda de identidad, el consumo de muchas cosas, entre otras etapas de cambios que en el disco nos lo refleja con mucha fuerza. Gracias a esto aun después de más de 10 años desde la salida de Hybrid Theory aun se recuerda ese espíritu rebelde.

La lista de canciones es alucinante, se muestran con un sonido muy innovador para su tiempo, en un año 2000 apenas comenzando y pidiendo a gritos música fresca e innovadora para estrenar el siglo, acompañado de letras tristes, confusión y rabia de la más pura para esa generación que nació para vivir el nuevo siglo. He aquí el tracklist que me han marcado de forma personal después de escuchar el album:

 

– Papercut: buena canción para comenzar a estrenar el disco, con una letra bizarra, personal y oscura sumada a un sonido electrónico de ambientación misteriosa combinada de sonidos metálicos del rock, seria perfecta para incluirla en una banda sonora de alguna entrega de DEVIL MAY CRY.

– One step Closer: desconectarse de todos, pedirles que se callen o hasta incluso nombrarles a su madre, ésta canción a pesar de ser corta tiene sus momentos de pequeñas explosiones salvajes gracias a los gritos y alaridos de Chester.

– With you: alterna perfectamente para dedicársela a un ser querido. Compuesta de partes puramente hiphoperas acompañadas de bellos teclados con otras partes metaleras, las primeras comandadas por el flow de Mike Shinoda y las segundas hábilmente gritadas por la potente voz de Chester Bennington. Una de las canciones del disco menos difundidas, y a la vez de las mejores a mi parecer.

– Points of Authority: es de las más duras del disco, posee un riff efectivo acompañado de unos buenos scratches que le dan un singularísimo de sensación guerrera o duelo (como un Battlefield o Starcraft). Para subir la adrenalina en el campo de batalla.

– Crawling: la corta venas del disco, sombría en soledad y confusión pero que en ella nos podemos refugiar. Con una forma de cantar de Bennington potente como si fuera la voz de nuestros sentimientos, sin duda un clásico.

– Runaway: en cierta medida mi canción favorita, me impulsa a seguir con mis ideales, mis pensamientos y a pesar de que lo que he aprendido puede ser mentira, huiré para abrir mi mente ya que es una lucha por lo que es correcto. Diré que ésta canción me inspira y me ayuda a despejar dudas.

– By Myself: una muy buena canción, aunque tiene un ritmo potente no lo siento como de los mejores en una canción de nu metal, pero cumple su cometido al igual que otra canción.

– A Place for Myself: otra canción que cumple su cometido, con una intro de guitarra muy interesante, casi rozando con la música española (me la recuerda no sé porque) y que a medida que sigue la canción te darás cuenta de lo explosiva que es dejándonos un final abrumador.

– Forgotten: una buena canción que aprovecha su tiempo, con voces tanto de rap como de rock que se combinan de manera magistral en momentos rápidos y pausados con sonidos que los acompañan perfectamente.

– A Cure for the Itch: es una sesión de sonidos del DJ de la banda Joe Hahn. Bastante interesante y divertida ¡se las recomiendo!

– Pushing Me Away: una de esas canciones que no puedes evitar escuchar ya que tiene su esencia, con una letra sobre el dolor y las consecuencias que hay que afrontar mentirle a alguien inocente y que intentas amar, con sonidos y armonías que me parecen épicos para su época.

– In The End: a pesar que no es la última canción del disco (es la octava dentro de las 12 canciones que compone el álbum). Es una obra maestra y si no lo es por lo menos la canción perfectamente compuesta, como todos sabemos terminó siendo un éxito monstruoso a nivel mundial, lo que hace que Linkin Parke le deba mucho a ésta canción. Musicalmente la canción representa a la perfección todas las facetas del grupo. Una parte rapeada por Shinoda acompañada del bello piano de la introducción, y una parte rockera comandada por un riff suelto y la voz de Bennington. Unas suaves notas de guitarra en las estrofas, tan delicadas que casi ni se oyen, le dan un aura casi mística a la canción. El videoclip, otro de los aspectos a destacar de la canción, es precioso, una superproducción musical que les quedó magistral.

En conclusión:

Hybrid Theory fue un boom como lo fue Dookie de Green day en su tiempo, movió a las masas y lanzó a la banda al estrellato de inmediato, inauguraron el siglo XXI como la nueva “oleada” de artistas musicales y definió a toda una generación. Después de ese fenómeno ningún otro disco de la misma banda lo pudo igualar, ni siquiera “Meteora” (que pose la misma esencia) a pesar que sus siguientes discos ya tomaban otros rumbos musicales, todavía los fans se preguntan ¿cuándo volverán a sus raíces? a esas raíces que los definieron como una de las mejores bandas del rock moderno.

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Ficha técnica:

Productor: Don Gilmore.

Disquera: Warner Music.

Género: Nu metal.

Año de lanzamiento: 24/10/2000

 

Tracklist:

01. Paper cut

02. One step Closer

03. With you

04. Points of Authority

05. Crawling

06. Runaway

07. By Myself

08. In The End

09. A Place for Myself

10. Forgotten

11. A Cure for the Itch

12. Pushing Me Away

Curiosidades:

1. Originalmente Hybrid Theory sería el nombre de la banda pero ya existía otra banda con ese nombre.

2. Después se cambiaron el nombre por Lincoln Park en homenaje a ese parque pero para evitar derechos de autor decidieron llamarse el nombre que todos conocemos.

3. Este disco le costó a Linkin Park medio año de trabajo. (Decidieron nombrarlo en honor a su antiguo nombre)

4. La canción In The End es tristemente famosa en EEUU porque un chico decidió suicidarse y dejó a su padre escritas en un papel varias líneas de la canción, explicando que había intentado ser fuerte y disfrutar de la vida, pero que no lo había logrado.

Para finalizar, les dejo con 2 encore mas de este disco.

My December:

High Voltage:

 

Los álbumes que tienes que escuchar antes de morir

Dookie: GREEN DAY

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Autor: Enrique Vargas

Dicen que a la tercera va la vencida… y este trío de punketos de Berkeley California lo demostraron después de sorprender la escena underground con sus 2 discos independientes 1,039/Smoothed Out Slappy Hours y Kerplunk, vendría lo que sería el álbum que los catapultaría a la fama instantánea y que sería recordado como todo un himno a una generación, con permiso claro está de Nevermind (Nirvana).

A pesar que el disco es completamente punk tiene una pequeña novedad que se diferencia de lo ya establecido en el género en su forma de cantarlo y tocarlo. Para empezar su forma de cantarlo es diferente, todos sabemos que el punk es contra lo político y trata muchos temas de la sociedad, pues ellos cantan un punk de adolescentes con temas que fácilmente los jóvenes se pueden identificar, como el noviazgo, la vagancia, la ira o incluso problemas de identidad sexual. Ya en la forma de tocarlo también es diferente, es obvio que tocan sus instrumentos con simples acordes (típico de una banda punk) pero le dan un toque muy personal, como los momentos del bajo por parte de Mike Dirnt, los momentos desenfrenados de la batería por Tré Cool, mientras que lo que si se conserva de la vieja escuela son los acordes potentes de la guitarra de Billie Joe Armstrong pero nunca le queda mal un poco de su toque personal de la misma forma.

Ya con esos componentes tenemos una lista de canciones, donde cada una representa un himno personal de cada chico o chica que presenta cantidad de adversidades en su vida cotidiana, teniendo el mejor viaje musical a través del álbum, con canciones pegajosas, potentes, sarcásticas entre otras, y lo curioso es que no es el típico álbum que ponen las canciones más exitosas de primero, sino que están ordenadas de diferentes maneras sea al medio o final dejando oportunidad a otras canciones que nunca salen en la radio.

Lo que más me gusta del álbum son sus canciones más memorables, claro todas son buenas pero sólo algunas se destacan por hablar de un tema en específico:

BASKET CASE: una de esas canciones que habla si estás loco o sólo drogado, ya que ni sabes si tu mente te juega trucos y al final terminas en un hospital.

 

WELCOME TO PARADISE: todos pasamos por la etapa en que tenemos que independizarnos de nuestros padres, aunque conlleve que los extrañemos bastante. Claro lo más curioso seria que nos visiten y vean que vivimos en un suburbio peligroso y le digamos que éste basurero es nuestro hogar y que para nada nos mudaremos.

 

LONGVIEW: un llamado a que dejes la vagancia idiota, en ésta canción nos dicen que no nos levantamos del sofá, nos dicen que busquemos trabajo, la “Manuela” pierde diversión, y finalmente nos hace preguntarnos “dónde quedaron las motivaciones y el ánimo?”

 

SHE: la canción de desespero, habla de una chica que la sociedad no la considera apta para algo pero siempre habrá alguien que la escuchará gritar hasta que sangren sus oídos.

 

WHEN I COME AROUND: la perfecta canción para reconciliarte con tu pareja después de una pelea y demostrar que siempre estará hay.

 

COMING CLEAN: tal vez no sea la canción más apreciada de Green Day, pero es seguro que mínimo alguien casi salido del closet se puede claramente identificar por la letra de la misma.

 

En definitiva Dookie es el mejor álbum que pudo haber hecho Green Day, aunque sea demasiado comercial por ser apto para todo público y que acumuló más de 17 millones de dólares, pero claro aunque algunos los consideren vendidos o “busca fama”  por sus temas juveniles, siempre existirán jóvenes que los defiendan ya que esas canciones son himnos que muchos adolescentes cantaran porque tratan sobre sus problemas realmente personales.

Después de este álbum ningún otro disco de la banda lo pudo igualar, se vendieron bien pero ninguno tuvo ese boom que si tuvo Dookie, pero apenas era el inicio de una larga carrera de pruebas y retos para llegar a donde están ahora.

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Fecha técnica:

Productor: Rob Cavallo

Género: Punk-rock y Punk-pop

Año de publicación: 01/02/1994

Tracklist:

1. Burnout

2. Having a blast

3. Chump

4. Longview

5. Welcome to paradise

6. Pulling Teeth

7. Basket case

8. She

9. Sassafras roots

10. When I come around

11. Coming clean

12. Emenius sleepus

13. In the end

14. F.O.D

Los álbumes que tienes que escuchar antes de morir

Three Dollar Bill Y’All$ – Limp Bizkit

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Autor: Enrique Vargas.

En plena mitad de la década de los 90º toda una generación tuvo que sufrir la perdida de sus más importantes héroes musical del momento y la traición de otros: el suicidio de Kurt Cobain vocalista de nirvana para la comunidad rockera, los dobles asesinatos sin resolver de los raperos notorius Big y 2-Pak para la comunidad rapera, el lanzamiento del disco load de Metallica mostrando la nueva imagen de esta banda y que dejo a más de uno con la impresión de haberse vendido.

Pero esa mitad de los 90º serviría como el momento clave del surgir de un nuevo movimiento musical y que serviría de rejuvenecimiento para el metal acercando a esa llamada generación x.

 

Cuatro discos, en mi opinión, pusieron la cimentada base de lo que se llamó (amado por unos y odiado por otros) “NU metal”. “El disco homónimo” de Korn, “Adrenaline” de los Deftones, “Three Dollar Bill yalls” de Limp Bizkit y, jugando en otra división aunque cercana de momento, el homónimo trabajo de System of a Down.

Cada uno con un estilo en cierto modo diferente que, en un periodo de alrededor de cinco años, convulsionaron el metal para dar forma a varias propuestas interesantes y sobre todo a la plaga del 2000, el NU metal comercial.

Pero estamos en 1997, Fred Durst aún no es vicepresidente de ninguna compañía y Ross Robinson campa a sus anchas entre lloros adolescentes y zapatos Adidas. El productor, alma del sonido NU y un pequeño Rey Midas de la época, estaba en disposición de convertir en referentes del nuevo sonido a todos aquellos que pasaran por su mesa.

Fred Durst, de profesión tatuador, recluta una variopinta banda en los suburbios de Florida y le cae bien al alumno aventajado, empezando con su amigo Sam Rives en el bajo, luego con el primo de Sam Jhon Otto en la batería con una actitud muy Funky, luego DJ Lethal, que ya llevaba carrera a las espaldas con House of Pain se une a la banda y concluimos con su carismático guitarrista Wes Borland que es recordado por sus bizarros maquillajes en escena. Parece ser que por mediación de Korn entran en contacto con Ross Robinson tras pasar un par de demos y se ponen a grabar un disco.

Y ésta montaña rusa socio pata que resulto convirtiéndose, en un disco (para la época, claro) fresco, novedoso y excitante. Que mezcla rap y metal con desparpajo y alejándose de la cierta pretenciosidad de otros grupos como Rage Against the Machine o Biohazard, y que basa toda su fuerza en una producción gordísima, muy natural y con un cierto punto “guarro”. Y todo grabado en seis días.

Ese contraste perfectamente audible entre detalles, armónicos, voces hardcorianas y distorsión del averno envuelve este disco. Fred Durst parlotea con un gran estilo como un niño impertinente, letras bastantes tontas sobre sólidos ritmos y melodías de ejecución impecable para luego sumarse a las descargas de brutal instrumentación, riffs rotundos y potentes. DJ Lethal ponía la guinda a la banda mediante su elección de samples y scratches sobre caña pura.

Comenzando con una intro que no es necesario entrar en detalles, empezamos con el agresivo riff de “Pollution” ya deja claras las tornas. Un comienzo espídico que tendrá su continuación en el juguetón riff de bajo de “Counterfeit” y sus contenidos golpes de instrumentación. Más cruda se pone la cosa con “Stuck” y luego “Nobody Loves Me”. Gotas de Funk, de Sepultura y Korn. Una amalgama brillantemente cohesionada con los característicos riffs a medio tiempo de la banda.

La mucho más calmada “Sour” da el control a Lethal para ofrecerle a Durst una estupenda base que recorrer. A partir de aquí el disco se hunde en cierta profundidad con dos de sus mejores temas, “Stalemate”, con todas las características del buen NU metal recién sacado del horno (aunque a estas alturas el pan ya esté un poco duro) y esa mezcla de brutalidad y melodía, plagada de efectos de distorsión, que se refina en la perfecta mezcla de hip hop y metal que es “Clunk”, con un uso de los scratches demoledor, una instrumentación atómica y un cambio en 1:38 hacia el puro hip hop desconcertante que desemboca en uno de los riffs más intensos del trabajo en su parte final.

La descacharrante versión de “Faith” de George Michael, que abrió la veda a una práctica bastante bochornosa, pone un punto de humor tras la descarga previa. Es posiblemente la canción que abrió a la banda las puertas del éxito. En su parte final la cosa se pone hiphopera para conectar en la misma pista con el tema “Blind”, una reinterpretación de una canción de la primera demo de la banda.

Más oscura se torna “Stinkfinger”, de nuevo con ramalazos funky, para pasar a la brillante demostración de hip-hop con instrumentos de la canción de agradecimientos “Indigo Flow”.

Acaba el disco con dos desvaríos. La Demo de “Leech”, un tema puramente de la escuela “NU” con un curioso parón clásico y las voces desatadas de Durst, da paso a la final “Everything”, una improvisación de más de un cuarto de hora, ambiental, bastante bonita y accidentada que en más de una ocasión recuerda curiosamente a los últimos Deftones.

 

Conclusión:

Un debut redondo para una banda que se iba a convertir en una de las más influyentes en el sonido de la nueva ola del metal de finales de los 90°-principios de la década del 2000 y a pesar que este disco no los llevo a la fama en un Santis amen, sin duda es de los más agresivos que se allá escuchado en la escena hardcore ¡es una buena recomendacion para cualquier amante de la música fuerte!

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Fecha técnica:

Productor: Ross Robinson

Disquera: Interscope Récords

Género: NU metal.

Año de lanzamiento: 01/07/1997

Tracklist:

1. Intro

2. Pollution

3. Counterfeit

4. Stuck

5. Nobody Loves Me

6. Sour

7. Stalemate

8. Clunk

9. Faith (George Michael)

10. Stink Finger

11. Indigo Flow

12. Leech

13. Everything

Los Álbumes que Tienes que Escuchar Antes de Morir

(Mutter – Rammstein)

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En dedicatoria a mis colegas del Rammstein Venezuela Fan Club.

Autor: Enrique Vargas

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Prologo:

Les damos la bienvenida a esta nueva “sección” en que analizaremos por que ciertos álbumes son considerados los mejores de su tiempo o mejor dicho clásicos. Cada álbum que publiquemos en la hermandad, no importando su genero musical (ya que cada genero es bueno según como se manifieste). También integrante de la hermandad elegirá según su punto de vista, que álbum se merece estar en el articulo y si pueden nos ayudan a escoger que otros álbumes consideran como los mejores, a través de nuestras “redes sociales” y así realizaremos reseñas dignas. A continuación, comenzamos esta sección.

 

 

Este disco apareció en un momento en que el Rock y el Metal estaban en su mejor apogeo y a la vez (a mi parecer) en su último periodo de popularidad de dicho movimiento (principios del siglo XXI) a pesar que tenían de vecinos la música POP de divas juveniles ya explotadas y de grupo de 5 chicos. Pero a pesar que las puertas de la nueva era, nos pronosticaban cambios y acontecimientos en su mayoría polémicos, ya lo que fue 2000 al 2004, su humilde servidor lo recordara como el momento en que el rock marco época para la gente de mi generación y eso es Fucking Great, pero que lamentablemente no volverán. Pero mejor centrémonos en el año 2001, después de darse a conocer con Herzeleid (1995) y alcanzar el reconocimiento musical y creativo con Sehnsucht (1997). Rammstein publica su 3° álbum de estudio y que hasta la fecha es considerada musical y creativamente hablando dentro de su estilo como el mejor trabajo (alabado por la crítica como por los fans) de su carrera y que a la vez sería el disco más vendido llegando a una popularidad enorme en dicho periodo. ¿Pero como estos germanos lograron crear una obra de ese calibre que contiene variedad de canciones que fueron sencillos en la radio y la televisión y sonidos inexplorados dentro de su repertorio? Por eso su humilde servidor escudriñara en este tracklist y dará su veredicto de porque Muttter es considerado toda una obra y el clásico que jamás morirá.

 

Mein Herz Brennt: (Mi corazón arde)

Canción que habla sobre el miedo a la noche y sobre las pesadillas. Las primeras estrofas vienen del programa para niños Das Sandmännchen El hombrecito del saco en España.

–  La primera canción del Disco es como recibir un disparo a quema ropa. Cuando lo escuchas te quedas impresionado y fascinado por su estructura musical, su mescla de instrumentos de cuerda (chelos) que recuerdan a Apocalyptica, el sonido potente y atmosférico de sus guitarras y bajo, sonidos ambientales en los teclados para darle más aura a la cosa y la batería que encaja como anillo al dedo. Crean junto con la voz y en especial la letra de la canción, un coctel de infarto y un buen comienzo para que entiendas quienes son y porque vinieron para patear traseros en la escena metalera y musical en general.

 

Links 234: (Izquierda 2-3-4)

La canción es un posicionamiento político izquierdista de Rammstein para desmentir las acusaciones de pro-fascismo vertidas sobre ellos. El estribillo evoca una marcha militar.

– Con esta canción doy inicio a la tetralogía de sencillos del álbum que ayudaron a la banda a tener el reconocimiento que se merecían. Links 234 solo se puede definir como directa y contundente, una canción sobre la Izquierda, pero que a la vez se ha vuelto todo un himno para los fans. Directa, pesada, contundente y con letra. Toda una oda a corear en sus conciertos con todas sus energías, si no me creen mira a los fans a todo pulmón.

 

Sonne: (Sol)

Originalmente mentada como una canción de introducción para el boxeador ucraniano Vitali Klichko, la canción habla del sol y la mañana, y como el sol siempre sale la gente lo quiera o no.

– Voy hacer sincero contigo, esta canción es la leche, la mejor dentro de su repertorio y si no te gusta no sigas leyendo. En serio Sonne es toda una obra maestra, Rammstein se superaron a sí mismos. El sonido de sus guitarras, los coros, la potencia y profundidad de lo vocal (que habla sobre el sol, pero para mí es poesía hecha música y punto), no sé qué más decir ya que Sonne es muy grande para explicarlo con palabras. Te invito a que lo escuches y si lo escuchaste con anterioridad estarás de acuerdo conmigo que es difícil explicarlo con simples palabras mortales.

 

 

Ich Will: (Yo quiero)

Habla de cómo a la banda no le importa el dinero sino ser escuchados.

–  Si Links 234 es un himno para los conciertos, Ich Will son palabras mayores. Su humilde servidor opina que esta canción es más que un himno es la filosofía de la banda, su ideología, te invitan a que confíes en ellos y a entender su visión de las cosas. Es el himno que todos los fans entendieron en su día y siempre en cada concierto todos lo cantan hasta más no poder. Cuando hay temblores cerca de un estadio, no es por un terremoto es la pasión de la fanaticada diciendo Ich Will Ich Will Ich Will Ich Will.

 

 

Feuer Frei: (Abran fuego)

Habla principalmente del dolor de las relaciones y como a veces la felicidad de uno puede venir a costa del dolor de otro.

– Y finalizamos con esta tetralogía con Feuer Frei, esta canción como patea bolas y disculpen mi escritura pero no le encuentro otra palabra para definir este motor rugir como una bestia en sus shows, toda una definición sobre el odia y como la gente llega a la felicidad haciendo daño a los demás. Es dura sin pretensiones con sonidos potentes y pesados, ritmo acelerado para la acción más desenfrenada y también para botar toda esa angustia y frustración, ¡es la ostia tío! Maquillaje de guerra en los conciertos, ya me imagino los pogos. Estas 4 canciones subieron la espuma como no tienes ni idea. Hasta salieron en bandas sonoras de películas como XXX, pero aparte de eso no se puede negar que Rammstein eran los putos amos a la hora de inventar música jodida y grandiosa.

 

Mutter: (Madre)

La canción tiene un parecido a Frankenstein, ya que habla de un ser creado artificialmente que desea vengarse de su “madre”, pero una vez logrado esto se da cuenta de que no tiene razón de vivir y le pide a su “madre” que le de fuerzas. También se cree que este tema habla de la clonación en humanos, porque en una de sus frases dice “No tengo ombligo en mi vientre”, “Fui engendrado con prisas y sin semen” por lo que da a pensar que la canción puede estar dedicada a la madre que nunca tuvo.

–  Mutter es una joya y la letra deja sin palabras, sé que Till Lindemann es todo un poeta (de hecho el escribe poesía cuando descansa de las giras y de los ensayos) pero con Mutter es una exposición de sentimientos, lírica y trasfondos que le dan una elevación al cubo, la canción puede hacerte llorar, fascinarte y no sé qué más, pero dejarse llevar por ella es una experiencia y a la vez una rareza y es una agradable sorpresa recibir algo así Gracias Till por ser poeta.

 

Spieluhr:  (Caja de música)

Habla de un niño que para que lo dejen solo finge su propia muerte y es enterrado en un cementerio (sin ceremonia) con una caja de música en las manos. Finalmente los pueblerinos que lo enterraron escuchan en Totensonntag (Domingo de los muertos, en el cual los Cristianos protestantes recuerdan a sus muertos, celebrado el último domingo antes del Adviento) la canción de la caja de música, y lo rescatan. En esta canción también canta Khira Li Lindemann, hija de Richard Z. Kruspe y la ex esposa de Till.

–  Otra joyita más con sonidos estridentes y algo de electrónica en lo vocal, pero el que se lleva el gato al agua es Till, se convierte en él cuenta cuentos de una curiosa historia como basada en esos antiguos mitos folclóricos europeos donde el invierno parecía eterno y daría inicio a varias leyenda, pero lo que no pondré en duda es la absorbente forma de nárrate una historia de principio a fin, lo vuelvo y lo repito es otra joya junto con Mutter y así se queda.

 

Zwitter, Rein Raus y Adios:

Zwitter (Hermafrodita)

Una canción que se parece mucho a la historia de Hermafrodito pero revertida, siendo el hombre el que obliga a la mujer a fundirse con él, habla del amor narcisista en extremo.

 

Rein raus (Adentro, afuera)

Canción que habla del sexo (específicamente en la posición perrito) y las relaciones de una noche.

 

Adiós

Habla de un hombre que utiliza la droga como inspiración para la música, pero cuando intenta dejarla no puede. El coro de esta canción (Nichts ist für dich, Nichts war für dich, Nichts bleibt für dich: Nada es para ti, Nada era para ti, Nada queda para ti) viene de una de las primeras canciones que canto Rammstein conocida como “Jeder Lacht”(Todos se Ríen), que hablaba del odio y la baja autoestima de una persona.

– Para la ocasión me gustaría hablarles en unas líneas de esta trilogía: son muy polémicas y provocadoras de eso no hay duda, tampoco niego que tiene cierta ambigüedad a pesar que se aclarece por donde va la cosa, pero tienen un encanto de sarcasmo que cuando los vuelves a escuchar, entiendes por qué son buenas inteligentemente hablando, aparte de sus sonidos pegadizos, directos, sin rodeos y buenos en su ejecución, al final su sarcasmo es la cereza en el pastel de esta trilogía que decidí mencionar.

 

Nebel:  (Niebla)

Habla sobre dos amantes que se dan el último beso en medio de la niebla, antes de que la mujer muera (probablemente por una enfermedad, ya que en la canción se menciona “Sie trägt den Abend in der Brust” o “Ella lleva la noche en el pecho”). 

–  Si creías que las bandas de metal (no importando su estilo) no tienen su corazoncito, entonces eres insensible. Nebel es lo que podemos catalogar como una balada de amor, pero a diferencia de la mayoría de baladas, esta se despega de lo ya visto, nunca en mi vida había escuchado una letra que en verdad te narre el tema del amor trágico, acompañado con una composición musical distinta lejos de los clichés de las baladas metaleras y rockeras. Me quito el sombrero frente a ellos por crear la mejor canción dentro del repertorio del álbum con permiso de las demás de dicha lista.

 

Conclusión:

Mutter, es y será un punto de inflexión en la carrera de los alemanes Rammstein, nos presentaron una faceta totalmente nueva de su carrera, basado en su etapa de inspiración y creatividad. Pero todo eso conllevo a que los fans como los nuevos iniciados y hasta la crítica alabara esta obra maestra no solo de la historia de su carrera, del metal, si no también (bajo mi punto de vista y lo digo firmemente) de la música en general. Este disco fue una idea que circulaba por sus cabezas hace tiempo atrás hasta materializarla y saben qué? Como dice V, las ideas son a prueba de balas.

 

Fecha Técnica

Fecha de Publicación: 02/04/2001

Productor: Jacob Hellner y Rammstein

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Canales de origen de los vídeos:

Apocalixo

gardenofdelights

brucerpdrums

UncensoredNews2012

HizumiKazuko

Videoclips oficiales de la banda, extraídos de YouTube.